2021 = 5

Mireille Blanc qui travaille essentiellement à partir de photos de famille a ici demandé à Anne-Sarah de lui en fournir une de sa propre enfance. C'est ainsi le gâteau d'anniversaire de la galeriste qui est représenté dans la toile 5 ans.

Painted for the exhibition on the gallery's five-year anniversary, the canvas Hespérides leads us into a garden with a lush, and almost kitschy vegetation. It invokes the luxuriance of Babylonian gardens in Yann Lacroix's imaginary. While certain blurred areas give a hazy and unstable aspect to the whole scene, the intensity of the light is concentrated on five apples. The latter are an explicit reference to the golden fruits kept by Laon in the Hesperides? garden. At the limit of artificiality, the artist questions, through this utopian landscape, the status of pictorial representation by invoking mythological references and a common imaginary that gives it a timeless dimension.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world?s map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

Seton Smith has taken many photographs of museum interiors. In Blue Ground With Stone, it is archaeological elements located in Italy that interest the artist. This piece of art is typical of her work and takes the opposite stance of museum photographs traditionally focused on the promotion of artworks. Manipulating blurring focus and close perspective, the artist produces an image close to a monochrome which dismantles customary structures. We cannot embrace what is pictured and the artwork’s main stake is not the object in itself but the sentiment extracted from its shot. She confronts the viewer to its own representation and questions the notion of space and artwork integrated in the museum.

Dans Cinq ans, Valérie Mréjen nous plonge dans l'intimité d'une histoire d'amour fictionnelle en cinq actes dont la trame narrative se déroule au fil des détails de cartes postales noir et blanc datant des années 1970. Certains motifs sont repris en rouge par l'artiste, animant le récit et rebondissant sur les quelques mots qui servent de légende à chaque scène. Cette courte fiction plastique renvoie à la thématique de la famille et du passage du temps, propice à la célébration d'un anniversaire, et s'inscrit dans ses recherches sur les cartes postales, leur fonction épistolaire et leur rapport au langage et aux souvenirs.

Massinissa Selmani propose un dessin regroupant différentes situations absurdes ou impossibles. Les éléments sont assemblés sans cohérence logique, comme si la scène, de par son étrangeté, tentait de dire l'insondable. Cette oeuvre témoigne de l'évolution du travail de Massinissa Selmani, en s'éloignant de ses sources d'inspiration issues de la presse et se laissant voguer au gré de son imagination. L'utilisation de l'aquarelle marque aussi une transformation de la pratique de l'artiste. L'allusion au chiffre 5 y est présente un peu partout en filigrane comme une métaphysique de la forme : 5 marches, 5 lignes, 5 barreaux, etc.

Pour l'exposition anniversaire de la galerie, Laurent Montaron a réalisé un banc, inspiré d'un tabouret dit « chauffe-dos », qu'il avait produit plus tôt à partir d'une seule planche suite à une demande de son fils. Ici, il développe ce mobilier en utilisant cinq plans juxtaposés en hêtre en clin d'oeil aux cinq années d'existence de la galerie. Souvent dans son travail, l'artiste présente des objets qui sortent du strict cadre de l'art, de manière à ce qu'ils puissent se confondre avec des objets annexes peuplant les salles d'expositions. Ici on pourrait penser à un banc d'exposition qui « place » le spectateur et lui propose une posture pour regarder mais qui se trouve finalement être l'oeuvre elle-même.

Dans un esprit proche du surréalisme, Le Sentiment du Pissenlit, peinture acrylique sur bois réalisée spécialement pour les cinq ans de la galerie, s’offre aux spectateurs comme une énigme, un rébus à déchiffrer. Maxime Verdier invoque avec humour l’idée de la cinquième roue du carrosse en s’interrogeant sur la place à donner à l’inutile dans notre société actuelle. En effet, que se passe-t-il lorsque l’on décide de sortir de la finalité pratique ou profitable des choses qui nous entourent ? Lorsque l’on offre une chance à ce qui nous déplait, à ce qui est accessoire ou futile ? Peut-être que l’on ouvre alors une part de rêve, de nouveaux possibles, de nouvelles perspectives. Ce sentiment du pissenlit, c'est celui de la mauvaise herbe, celle qu'on arrache, qu'on jette alors qu'elle garde au fond d'elle-même de nombreuses vertus qui apparaissent lorsqu'on lui offre de l’attention.

Gegenstände für den geistigen Gebrauch, s'inscrit dans la continuité des Vector sculptures, résultats des réflexions de l'artiste et d'un ami mathématicien sur les philosophies mathématiques dans les années 1970. Théorisé par le penseur de l'art rationnel Max Bill, le titre fait référence à ce qu'on pourrait traduire par "les objets à usage intellectuel". Il s'agit d'une tentative de lier interprétations mathématiques et langage plastique à l'aide de vecteurs qui permettent à l'artiste de créer virtuellement des volumes dans l'espace, en inscrivant ce qu'ils auraient pu être sans pour autant les matérialiser.

When Marion Baruch found the fabric remnants that would become Ponte-Cattedrale, she immediately thought of a hybrid structure between a cathedral and a bridge. By connecting these two elements, the artist produces a parallel between the random shapes of the textile and architecture. In this way, she emphasizes on the fact that both are reminiscent of human-sized constructions. Like the Surrealists, she humorously conceives a composite architecture that calls for a poetic and imaginary world.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world’s map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world?s map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world?s map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world’s map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

In Le Monde entre leurs mains, Chourouk Hriech presents a series of black-and-white photographs that take tattooed youth as their subject. Each model holds a world's map in his hands, deploying a particular gesture. The artist seeks to develop a dialogue between the images printed on the globe, and these drawings engraved on the skin, evoking the life adventures, dreams and ambitions of each model. These representations of the world inevitably escape them because the figures and symbols evolve with the times. Nevertheless, by choosing to assert themselves through tattoos, these young people defy time, future and reality. Thus, Chourouk Hriech pushes the practice of drawing further by multiplying the mediums to explore its potentialities and its materializations.

Dans Ballon, Mireille Blanc s’intéresse à la picturalité de la matière aluminium de ce ballon géant qui procure au spectateur une impression de déjà vu et renvoie à d’agréables souvenirs de fêtes d’anniversaire. Le sujet est ici représenté pour lui-même, magnifié par le flash de l’appareil photo. Mais les taches d’eau et les coups de spray granuleux dévoilent les truchements de la reproduction de l’image photographique en peinture. Entravant la perception du motif, le ballon semble finalement flotter dans une atmosphère vaporeuse et quasiment intemporelle.

Dans cette oeuvre, Florin Stefan realise une toile rassemblant cinq femmes nues, se perdant dans le bleu intense de la réunion de l'eau, des vagues et du ciel. Hommage aux baigneuses classiques, ce tableau est empreint d'une coupable innocence, à l'image de son titre Réflexions sur le jugement dernier #2  soulignant l'absurdité de l'existence et ses aboutissants dans l'intimité du quotidien.

Pour l'exposition anniversaire de la galerie, Julien Discrit a réalisé une oeuvre qui s'inscrit dans la continuité de son travail sur les mains et la géologie, notamment sa série Pierres. Intitulée Re-member, cette nouvelle série se situe moins dans un jeu sur la roche que sur les thématiques de l'empreinte et du contact. L'origine du mot Re-member provient du vieux français « re-membrer », liaison sémantique entre le souvenir et les parties du corps. Dans cette sculpture, les deux mains tentent de se toucher autour de cette ammonite, sans pour autant y parvenir. Induisant longévité et fidélité, ce fossile créé de toute pièce symbolise l'histoire de l'artiste avec la galerie.

Pour l'exposition anniversaire de la galerie, Julien Discrit a réalisé une oeuvre qui s'inscrit dans la continuité de son travail sur les mains et la géologie, notamment sa série Pierres. Intitulée Re-member, cette nouvelle série se situe moins dans un jeu sur la roche que sur les thématiques de l'empreinte et du contact. L'origine du mot Re-member provient du vieux français « re-membrer », liaison sémantique entre le souvenir et les parties du corps. Dans cette sculpture, les deux mains tentent de se toucher autour de cette ammonite, sans pour autant y parvenir. Induisant longévité et fidélité, ce fossile créé de toute pièce symbolise l'histoire de l'artiste avec la galerie.