Paréidolie 2019

Cette série, en entrelaçant formes corporelles et végétales, dévoile un rapport cyclique entre l'homme et la nature. Inspiré par l'ouvrage Le Jardin en mouvement de Gilles Clément, l'artiste met en lumière une cohabitation exacerbée avec la nature, où les plantes intègrent ce que l'homme ingère et rejette, permettant l'épanouissement des deux espèces dans une sorte de fécondité mutuelle, où la fleur, organe sexuel des plantes, se déploie avec sensualité.

Cette série, en entrelaçant formes corporelles et végétales, dévoile un rapport cyclique entre l'homme et la nature. Inspiré par l'ouvrage Le Jardin en mouvement de Gilles Clément, l'artiste met en lumière une cohabitation exacerbée avec la nature, où les plantes intègrent ce que l'homme ingère et rejette, permettant l'épanouissement des deux espèces dans une sorte de fécondité mutuelle, où la fleur, organe sexuel des plantes, se déploie avec sensualité.

Cette série, en entrelaçant formes corporelles et végétales, dévoile un rapport cyclique entre l'homme et la nature. Inspiré par l'ouvrage Le Jardin en mouvement de Gilles Clément, l'artiste met en lumière une cohabitation exacerbée avec la nature, où les plantes intègrent ce que l'homme ingère et rejette, permettant l'épanouissement des deux espèces dans une sorte de fécondité mutuelle, où la fleur, organe sexuel des plantes, se déploie avec sensualité.

Cette série, en entrelaçant formes corporelles et végétales, dévoile un rapport cyclique entre l'homme et la nature. Inspiré par l'ouvrage Le Jardin en mouvement de Gilles Clément, l'artiste met en lumière une cohabitation exacerbée avec la nature, où les plantes intègrent ce que l'homme ingère et rejette, permettant l'épanouissement des deux espèces dans une sorte de fécondité mutuelle, où la fleur, organe sexuel des plantes, se déploie avec sensualité.

Dans cette série, Mario d'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

Dans cette série, Mario D'Souza perpétue l'utilisation de techniques issues du dessin académique. Retranscrite à la manière d'études classiques, des mains prennent des poses diverses tout en tenant des objets sectionnés entre leurs doigts. Réalisés à l'encre de chine, ces objets tranchent avec le reste de la composition, faisant de celle-ci une association entre motifs géométriques et baroques, contemporains et académiques, surréalistes et réalistes. Scindés, divisés ou rompus en deux, ces éléments du quotidien incarnent le sentiment de douleur amené par une séparation tout en servant d'exutoire pour mieux aller de l'avant.

La conquête des peines est une réflexion personnelle sur l'échec et la souffrance. Les épreuves, loin de susciter l'effondrement, deviennent ici la source d'un jardin luxuriant, comme une manière de figurer un épanouissement puisé dans le labeur et le dépassement de soi.

Sous le vernis ravive une vision propre à l'enfance de l'artiste à la campagne: le petit garçon imaginait derrière les phénomènes acoustiques typiques des maisons anciennes une présence cachée. L'oeuvre joue ainsi sur la mince frontière entre l'imaginaire et le réel, l'inexistant et le non visible, ainsi qu'entre l'inquiétant et le fascinant.

Oeuvre intime et auto-référencée, Les éclats diurnes représente un dos constellé de taches de rousseur. Par l'utilisation de la couleur doré dans leur représentation, l'artiste fait de cette particularité un motif de sublimation du corps et non plus de stigmatisation, tout en lui insufflant une dimension surnaturelle.

Référence à l'adolescence tout comme aux jeux d'enfants, La cadence des chimères figure un personnage en mouvement, sur les jambes duquel deux escargots à la taille démesurée viennent s'enrouler. À la manière d'une allégorie de la pensée, ils ralentissent la cadence de la marche, faisant de celle-ci le lieu d'égarements et d'errances aussi bien physiques que psychiques.

Les œuvres de Massinissa Selmani trouvent leur origine dans les actualités politiques et sociales, issues de coupures de presse qu'il collectionne depuis de nombreuses années. En confrontant et juxtaposant sans cohérence logique ces éléments, l'artiste crée des scènes énigmatiques et ambiguës, soulignant le caractère ironique, voire tragique des situations absurdes et étranges représentées dans ses dessins.

Les œuvres de Massinissa Selmani trouvent leur origine dans les actualités politiques et sociales, issues de coupures de presse qu’il collectionne depuis de nombreuses années. En confrontant et juxtaposant sans cohérence logique ces éléments, l’artiste crée des scènes énigmatiques et ambiguës, soulignant le caractère ironique, voire tragique des situations absurdes et étranges représentées dans ses dessins.

Dans ces dessins, Chourouk Hriech représente des lieux où se mêlent des éléments architecturaux et végétaux appelant à une grande sérénité, comme des endroits idylliques du quotidien. Comme souvent dans sa pratique elle mêle des éléments réels desquels elle s'inspire lors d'un voyage et des éléments imaginaires et fantasmés. Dans ces intérieurs dessinés en noir et blanc, chaque ouverture sur le dehors laisse apparaître des paysages profonds, composés d'une nature verdoyante. Ainsi, elle superpose des architectures urbaines, ici inspirées de Madrid (une salle du Palais de l'Alcazar, une ruelle encombrée,...), et des horizons bucoliques impossibles. De cette manière, elle installe un jeu dans la perspective qui invite à une ouverture, un possible, une nouvelle façon de concevoir l'espace pour aller vers un monde rêvé.

Dans ces dessins, Chourouk Hriech représente des lieux où se mêlent des éléments architecturaux et végétaux appelant à une grande sérénité, comme des endroits idylliques du quotidien. Comme souvent dans sa pratique elle mêle des éléments réels desquels elle s'inspire lors d'un voyage et des éléments imaginaires et fantasmés. Dans ces intérieurs dessinés en noir et blanc, chaque ouverture sur le dehors laisse apparaître des paysages profonds, composés d'une nature verdoyante. Ainsi, elle superpose des architectures urbaines, ici inspirées de Madrid (une salle du Palais de l'Alcazar, une ruelle encombrée,...), et des horizons bucoliques impossibles. De cette manière, elle installe un jeu dans la perspective qui invite à une ouverture, un possible, une nouvelle façon de concevoir l'espace pour aller vers un monde rêvé.

Comme souvent dans l'œuvre de Chourouk Hriech, le voyage est à l'origine de la pratique. Dans cette série, le séjour de l'artiste en Thaïlande, plus qu'une inspiration, en est le thème central. Ses dessins se rapprochent d'un carnet de voyage : avec un trait rapide comme dans un croquis, l'artiste dégage l'essentiel de ses sujets. Elle dépeint des aperçus éphémères de bâtiments, ruelles ou objets qui ont attiré son attention.

Comme souvent dans l’œuvre de Chourouk Hriech, le voyage est à l'origine de la pratique. Dans cette série, le séjour de l'artiste en Thaïlande, plus qu'une inspiration, en est le thème central. Ses dessins se rapprochent d'un carnet de voyage : avec un trait rapide comme dans un croquis, l'artiste dégage l'essentiel de ses sujets. Elle dépeint des aperçus éphémères de bâtiments, ruelles ou objets qui ont attiré son attention.

Les six dessins qui composent cette série sont autant de témoignages des explorations de Chourouk Hriech à la Cité Frugès. Située à côté de Bordeaux, cette cité a été conçue par Le Corbusier pour loger les ouvriers d'une usine voisine.
L'architecture y est typique de ses réflexions sur l'urbanisme : les lignes sont droites, abruptes et l'habitat y est imaginé comme presque mathématique. Bien que le trait de Chourouk Hriech retranscrive fidèlement la géométrie des bâtiments, l'artiste représente l'architecture telle qu'elle est intégrée dans son environnement. Dans ces dessins, les lignes dures du béton de Le Corbusier côtoient les courbes douces de la végétation, les éléments urbains et naturels cohabitant avec harmonie.

A l'occasion d'une exposition au Centre d'Art Contemporain en 2018, Chourouk Hriech s'est rendue à Tel Aviv. Comme souvent lors de ses voyages, elle en a ramené une série intitulée « Tel Aviv's lines ». Ces dessins en noir et blanc sont le fruit de ses découvertes au fil de son exploration de la ville. Les bâtiments flambants neufs côtoient les vieux immeubles délabrés, soulignant la constante métamorphose de la ville. On y retrouve l'architecture méditerranéenne mais aussi l'influence du Bauhaus et les grandes avenues à la californienne dans de fascinants jeux d'ombres et de lumières. Dans ce panorama architectural, Chourouk Hriech fait ressortir le contraste entre les lignes parfois austères des bâtiments et la végétation désordonnée.

A l'occasion d'une exposition au Centre d'Art Contemporain en 2018, Chourouk Hriech s'est rendue à Tel Aviv. Comme souvent lors de ses voyages, elle en a ramené une série intitulée « Tel Aviv's lines ». Ces dessins en noir et blanc sont le fruit de ses découvertes au fil de son exploration de la ville. Les bâtiments flambants neufs côtoient les vieux immeubles délabrés, soulignant la constante métamorphose de la ville. On y retrouve l'architecture méditerranéenne mais aussi l'influence du Bauhaus et les grandes avenues à la californienne dans de fascinants jeux d'ombres et de lumières. Dans ce panorama architectural, Chourouk Hriech fait ressortir le contraste entre les lignes parfois austères des bâtiments et la végétation désordonnée.

Cette série est composée de 16 dessins exécutés par le biais de frottage au crayon de formes végétales issues de l'Asie du Sud-Est.

Cette série est composée de 16 dessins exécutés par le biais de frottage au crayon de formes végétales issues de l'Asie du Sud-Est.

Cette série est composée de 16 dessins exécutés par le biais de frottage au crayon de formes végétales issues de l'Asie du Sud-Est.

Cette série est composée de 16 dessins exécutés par le biais de frottage au crayon de formes végétales issues de l'Asie du Sud-Est.